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FeuilletonFrankfurt

Das Magazin für Kunst, Kultur & LebensArt

PETRA KAMMANN, HERAUSGEBERIN · www.feuilletonfrankfurt.de · GEGRÜNDET 2007 VON ERHARD METZ

Alle Artikel zu Musik

45. Römerberggespräche: Was soll das Theater?

2017, Oktober 21.

Über die Zukunft der Städtischen Bühnen – „Die Stadt muss sich bekennen“

Ein Beitrag von Uwe Kammann

Mehr als 50 Jahre waren Frankfurts Städtische Bühnen Schauplatz zahlloser Inszenierungen und erlebten denkwürdige Auseinandersetzungen. Nun ist das Bauwerk, die „Theaterdoppelanlage“, die Schauspiel und Oper umfasst, marode. Wie soll es mit ihnen weitergehen? Neubau oder Sanierung? Von dem Tag an, an dem die möglichen Kosten bekannt wurden, wurden leidenschaftliche und kontroverse Debatten geführt. Da stellte sich auch die Frage nach dem Standort am Willy-Brandt-Platz, sondern auch nach der gesellschaftlichen Position des Theaters. Welche Aufgaben sollen Schauspiel und Oper in Zukunft haben? Die Römerberggespräche wollten in der Diskussion erkunden, welche Gestaltungschancen derzeit bestehen.

Die Doppelanlage: Oper und Schauspiel unter einem Dach 

Zu guter letzt umreißt Schauspielhaus-Intendant Anselm Weber dann doch noch einen auch als seinen Wunsch: Wenn eine Sanierung der Städtischen für rund 200 Millionen Euro möglich wäre, dann, ja dann „bin ich fürs Sanieren und Hierbleiben“. Punktum. Zuvor hatte er sich in der Schlussrunde der Römerberggespräche unter dem doppeldeutigen Titel „Was soll das Theater?“ vorsichtiger geäußert; oder, wie er es mit Blick auf Rahmenbedingungen und politische Realitäten in der Stadt Frankfurt sieht, schlicht praxisnäher: „Ich muss alle Varianten überlegen“. Sprich, im Spektrum von Abriss und Neubau der Theater-Doppelanlage für Schauspiel und Oper am angestammten Willy-Brandt-Platz bis zum alternativen Auszug und Neubau einer der beiden Spielstätten an einem anderen Platz in der Stadt. Varianten und Szenarien, die heftig diskutiert werden, seit eine Machbarkeitsstudie im Auftrag der Stadt den 1963 eröffneten Bau als marode deklariert und als Folge eine Generalremedur mit Gesamtkosten von rund 900 Millionen Euro angenommen hat.

 

Die Intendanten: Anselm Weber,  Schauspiel und Bernd Loebe (Oper)

Was immer nun in Angriff genommen wird: Äußerst schwierig, da waren sich Weber und sein nachbarschaftlicher Opern-Kollege Bernd Loebe völlig einig, wäre ein zeitweiliger Ausweich-Umzug an andere Orte auf jeden Fall. Denn in dafür zu veranschlagenden fünf Jahren (eine Mindestspanne für eine Interims-Lösung) sei ein harter Negativschnitt bei den Einnahmen (im Jahresbudget mit 15 Millionen Euro angenommen) unausweichlich. Eben, weil beispielsweise das Depot in Bockenheim nur knapp 400 Plätze biete, wesentlich weniger als die Oper (rund 1400 Plätze) oder das Schauspielhaus (knapp unter 700 Plätzen).

Für Opernchef Loebe war die perspektivische Generalformel deshalb ebenso klar wie für Anselm Weber: Natürlich sei das Depot als zusätzliche Spielstätte ein „Segen, auch eine Riesenbereicherung“, doch „materiell und ideell“ bekenne er sich „eindeutig zum Standort hier“.

Diese doppelt bekräftige Aussage traf auch unbedingt den kollektiven Wunsch des Publikums bei diesen 45. Römerberggesprächen, welche die Zukunft der Städtischen Bühnen speziell auch unter dem Aspekt der baulichen Möglichkeiten ausloten sollten. Jedenfalls war diese Publikumsvorliege abzulesen, sofern man Interventionen aus dem Plenum und Spontaneität und Intensität von Beifallsbekundungen nach einzelnen Wortbeiträgen vom Podium als Gradmesser nimmt.

Der mehrheitliche Tenor war danach einfach zu umreißen: Die große Theateranlage für Oper und Schauspiel am Willy-Brandt-Platz, gleich gegenüber dem ersten Turm der Europäischen Zentralbank, sollte als herausragendes Beispiel für eine als demokratisch gedachte, offene Bühne der Gesellschaft in dieser Form erhalten bleiben.

Eine vorgeschaltete Runde mit zwei Baukünstlern hatte zwar in dem Kölner Architekten Peter Böhm einen Advocatus Diaboli, der am jetzt 50jährigen gläsernen Längsquader der Bühnen mitsamt der Anhängsel von Verwaltung, Werkstätten und „Gefängnis-Rückseite“ kein gutes Haar ließ und für einen repräsentativen Neubau im Geist des „Schönen, Lustvollen und Liebevollen“ plädierte, den die Bürger stolz ihren Gästen vorführen könnten. Doch seine Grundannahme, dass eben diese Bürger das Festliche suchten, den gesellschaflichen Hoch-Ort zum Repräsentieren (samt einschlägiger Garderobe und dem Nebeneffekt der Geschäftsanbahnung) fiel beim Publikum durch, trotz seines Plädoyers für einen Neubau im Sinne einer „weiterentwickelten Moderne“.

v.l.n.r.: Architekt Peter Böhm, Moderator Alf Mentzer und Architekt Ernst Ulrich Scheffler

Bei seinem Berufskollegen Ernst Ulrich Scheffler – der bei Kulturbauten wie dem Frankfurter Liebighaus seine sensible Handschrift bewiesen hat – verfingen Böhms vorausgehende Fingerzeige auf die historischen Beispiele der Opern in Paris, Dresden und Wien ebenfalls nicht. Er verwies auf die tief verankerte Programmatik und die Werte des jetzigen Frankfurter Baus: ein Spiel- und Verständigungshaus zu sein für eine „hierarchiefreie Bürgergesellschaft“, im Kontrast zu einer geschlossenen Gesellschaft. Eine solche in der Konzeption und in der Ausführung manifestierte Offenheit sei eine „große Tugend“.

Bei allen Schwächen des hinteren Werkstattteils („chaotisch“) sei der vordere Teil mit seinem großzügigen transparenten Foyer zu erhalten. Auch andere Argumente sprächen für den Bau. So sei er ein bedeutender Ort der Geistesgeschichte mit jetzt ganz eigener Tradition, und funktional sei der Platz mit seinen U-Bahnlinien bestens erschlossen. Der von manchen als willkommene Neubau-Folge beschworene Bilbao-Effekt schwäche sich in der Regel ab, und ohnehin: „Man muss nicht alle 20 Jahre wieder umbauen“. Eine Stimme aus dem Publikum sekundierte später: „Das Gebäude trägt noch heute“, als „gelungene Darstellung des Bürgertums in einer seit jeher bürgerlichen Stadt“ sei es „genial und erhaltenswert“.

Und die heutigen politischen Verantwortlichen dieser stolzen Bürgerstadt? Sie glänzten bei diesen Römerberggesprächen mit vollständiger Abwesenheit – trotz vielfacher Bemühungen der Veranstalter um Repräsentanten auf den Podien. Eine systematische, gewollte Enthaltsamkeit? Kritische Bemerkungen der beiden Intendanten zur Lage im politischen Feld lassen dies als wahrscheinlich annehmen.

Selbstverständlich sei es eine „politische Entscheidung“, so Weber, ob die Stadt auch künftig ein Theater mit überregionaler Bedeutung haben wolle. Diese Diskussion müsse im Römer geführt werden: „Schweigen ist der falsche Weg“. Er warnte davor, diese Diskussion nicht zu führen und „den Kopf in den Sand zu stecken“ – womöglich, so Bernd Loebes Verdacht, „aus Furcht vor dem Verlust von Wählerstimmen“ (Ende Februar kommenden Jahres stehen schließlich die Oberbürgermeister-Wahlen in Frankfurt an).

Natürlich, so Weber, gehe es vor dem Hintergrund des Rahmens der Machbarkeitsstudie auch billiger (auf Kosten der technischen Bühnenausstattung und damit des künstlerischen Potentials). Ausgangspunkt sei bei einem Neubauvolumen von 100.000 Brutto-Quadratmeter für Schauspiel und Oper die „realistische Zahl von 600 Millionen“. Doch sie, die Intendanten, könnten eben über die künftige Bedeutung der Bühnen nicht entscheiden, dies sei Sache der Politik.

Doch dort, so klagte auch Bernd Loebe ganz konkret, sei „ein Vakuum zu spüren“, es herrsche „ein Gefühl von Stillstand“, mit der Folge: „So wissen wir nicht, in welche Richtung wir arbeiten sollen.“ Die Stadt, der Oberbürgermeister müssten sich in Sachen Zukunft der Städtischen Bühnen „bekennen“. „Wir jedenfalls“, das unterstrich Anselm Weber ganz deutlich, „werden uns nicht hinstellen und sagen, wir schaffen uns ab.“

(FeuilletonFrankfurt wird auf weitere Aspekte dieser Römberberg-Gespräche zurückkommen).

Alle Fotos: Uwe Kammann

„Peter Grimes“ von Benjamin Britten an der Oper Frankfurt

2017, Oktober 20.

Treibjagd: „Wer sich abseits stellt und uns verachtet, den vernichten wir.“

Text: Renate Feyerbacher

Fotos: Monika Rittershaus/Oper Frankfurt und Renate Feyerbacher

Die Oper „Peter Grimes“ von Benjamin Britten war zuletzt vor 16 Jahren auf der Frankfurter Opernbühne zu sehen. Nun gab es eine Neuinszenierung des englischen Regisseurs Keith Warner. Das gesamte Team wurde vom Publikum nach der Premiere am 8.Oktober beklatscht. Bei der Premierenfeier gab es allerdings unterschiedliche Meinungen zur Musik und zur Inszenierung. Zu naturalistisch, hieß es einmal, genau richtig, ein andermal, Auch: Musik gefällt mir nicht.

Im Prolog muss sich Peter Grimes vor Gericht verantworten, er ist angeklagt, weil ein Lehrjunge bei der Bootsfahrt ums Leben kam. Trotz Freispruch kursieren die Gerüchte um den Fischer weiterhin. Seine Anklagebank: ein Boot, ein Bild der Isolation. Peter wird wie Woyzeck ‚ausgestellt‘. Von der Ausgrenzung betroffen war auch der Komponist, als Kriesgdienstverweigerer und als Homosexueller. Isolation und Misserfolg bei den Kritikern begleiteten Brittens Leben.

Vincent Wolfsteiner als Peter Grimes; Foto: Monika Rittershaus

Die Einsamkeit des Menschen, die Einsamkeit in der Masse, das ist denn auch das Hauptmotiv, das Benjamin Britten (1913-1976) beschäftigte. Während seines Aufenthaltes in den USA las er 1941 die dramatische Verserzählung „The Borough“ (Die Kleinstadt) vom englischen Poeten Georges Crabbe (1754-1832), der ähnlich wie er in der Grafschaft Suffolk an der östlichen Küste Englands geboren wurde. Speziell die Geschichte des Fischers Peter Grimes weckte seine Sehnsucht nach der Heimat und sein Interesse an einem Opernstoff. Es fand sich ein Auftraggeber und Britten kehrte mitten im Krieg 1942 nach England zurück, zusammen mit seinem Lebensgefährten, dem weltberühmten Lied- und Opernsänger Peter Pears, für den er viele Tenorpartien komponierte. Fast zwei Jahre hat die Arbeit am Libretto von Montagu Slater gedauert.

Crabbes Peter Grimes war stur, rebellisch, als Erwachsener gewalttätig und zudem noch ein Trinker. Aus dem Schurken wurde in der Oper ein Einzelgänger, sympathisch, zurückhaltend, frustriert, aber noch von Wünschen und Hoffnungen beseelt, reich zu werden und Ellen Orford, die Lehrerin, die zu ihm hielt, heiraten zu können. „Not a bad man.“ Als er sich physisch-psychisch eingekesselt sieht, wird er aber auch gewalttätig. Bleibt die Frage, ob Peter Grimes am Ende doch ein Mörder sein könnte. Auch der zweite Lehrjunge kommt um.

Die Uraufführrung fand am 7. Juni 1945 am Sadler’s Wells Theatre, London statt, kurz nach Kriegsende und wenige Wochen vor den Atombombenabwürfen in Hiroshima und Nagasaki.

Vincent Wolfsteiner; Foto: Renate Feyerbacher

„Das Ostinato des Meeres“ ist eine Konstante sowohl im Leben als auch im Werk des Komponisten, schreibt Norbert Abels, Chefdramaturg an der Oper Frankfurt in seiner neuen Britten-Biografie: „Vom Meer trennte er sich niemals.“ Schon als Kind hatte Britten diesen engen Kontakt zum Meer. Vom Haus seiner Eltern in Lowestoft hatte er die wilden Stürme, die oftmals Schiffe an die Küste warfen und ganze Strecken der benachbarten Klippen wegrissen, beobachtet. In „Peter Grimes“ hat man das Gefühl, die tobende See genauso zu erfahren wie in seiner anderen Oper „Billy Budd“.

Die Angst der Dorfbewohner vor den Stürmen ist in den aufwühlenden Chören mitzuerleben. Der Chor hat den größten Part, mit etlichen a capella-Einschüben. Chordirektor Tilman Michael führt die 80 Sängerinnen und Sänger zu einem Gipfel des Chorgesangs. Das ist einmalig. Gänsehaut bildet sich, wenn das ständig wiederholte „Peter Grimes“ gerufen wird. Very british kommen die drunken songs rüber.

 Sara Jakubiak als Ellen Orford, Vincent Wolfsteiner als Peter Grimes und Theodor Landes als Lehrjunge John; Foto: Monika Rittershaus

Sind Bühnenbild und Inszenierung zu naturalistisch? Ich empfand es nicht so. Bis auf wenige Einschränkungen fand dort ein spannendes Geschehen statt. Der große Bühnenraum strahlt Unendlichkeit aus, aber auch Begrenzung durch Wände, durch Kaimauern. Das ist entsprechend der Figur. dialektisch angelegt. Das Bühnenbild des Engländers Ashley Martin-Davis verändert sich immer wieder: Enge und Erfahrung der Weite wechseln sich ab. Licht und Schatten (Olaf Winter) unterstützen gezielt die Momente der Ruhe und der Bewegung, die Keith Warner präzise festlegt.

Keith Warner, einer der bedeutendsten Regisseure der Gegenwart, ist ständiger Gast an der Oper Frankfurt (Falstaff, Hänsel und Gretel). Als 17jähriger beobachtete er mit seinem Freund Fischerboote, als sie Benjamin Britten und Peter Pears mit ihrem Dackel namens Gilda beim Spaziergang sahen, so erzählt er bei Oper extra. Er traute sich nicht, sie anzusprechen, worüber er sich noch heute schämte.

Warner gelingt es eindrücklich, die Dorfbewohner, zunächst Individuen, zur Horde mutieren zu lassen. Es ist spannend zu erleben, wie die Aggressivität aufgebaut wird, die sich fast in Wahnsinn ergeht. Seine Personenführung ist exzellent. Den Hauptprotagonisten Peter Grimes, dargestellt und gesungen von Vincent Wolfsteiner, leitet er in psychologische Tiefen. Ensemblemitglied Wolfsteiner, der zunächst Musik studierte, als Tonmeister und Produzent arbeitete, kam erst spät in den USA zum Gesang. Er ist begeistert von der außergewöhnlichen Zusammenarbeit mit dem Regisseur. Intensiv war sein Rollenstudium. Heute sei er fähig, diese englische Partie zu singen, was ihm auch vorzüglich gelingt.

Seine Wagner geübte Tenorstimme, die mal ausbricht, mal lyrisch ist, schafft eine dynamische Interpretation. Sara Jakubiak (Die Passagierin, Eugen Onegin) als Lehrerin Ellen Orford verleiht ihrem Sopran wunderbare Kontur. James Rutherford als Captain Balstrode, der seine Hand über Peter Grimes hält und mit Ellen zusammenarbeitet, Peter aber am Ende zum Suizid im Meer rät, gefällt durch seinen warmen, wohltönenden Bariton. Sensationell ist der Auftritt der gebürtigen Amerikanerin Jane Henschel von der Düsseldorfer Oper am Rhein ist eine der renommiertesten Mezzosopranistinnen. Erstmals ist sie Gast an der Oper Frankfurt in der Rolle der Pubwirtin Auntie. Diese Rolle scheint sie aus dem Effeff zu kennen. Ihre nervigen, sich prostituierenden Nichten meistern Sydney Mancasola und Angela Vallone mit viel Spielfreude.

v.l.n.r.: Sydney Mancasola als First Niece; mit dem Rücken zum Betrachter, AJ Glueckert als Bob Boles und Jane Henschel als Auntie, rechts; im Hintergrund Ensemble; Foto: Monika Rittershaus

Einmalig kompositorisch und gekonnt interpretiert das Quartett der vier Frauen: Auntie, Nichten und Ellen, in dem sie sich über die Männer auslassen, die sie missbrauchen und dann Mitleid haben. Das Lied „Lächeln oder weinen wir, oder warten wir still, bis sie schlafen“ ist ein Opernjuwel, das von der Solidarität der Frauen handelt, die auch in Isolation leben.

Die Suche nach den verschwundenen Kindern wird von der tratschenden Mrs. Sedley (Hedwig Fassbender) angefeuert. Sie baut Peter Grimes als Feindbild auf, um von sich abzulenken. Denn sie greift zu Rauschgift und ist abhängig, steht also selbst auf der gesellschaftlichen Abschussliste.

Wie zu erwarten, dirigiert Sebastian Weigle ein hochmotiviertes Frankfurter Opern- und Museumsorchester. Viel Beifall für die Musiker und ihren Chef, die auf hohem, überzeugendem Niveau das Wechselspiel zwischen dramatischen und sich beruhigenden Situationen interpretiert. Die sechs Opernzwischenspiele, eine Besonderheit der Oper, die nur indirekt zum Drama beitragen, vertieften diesen Eindruck.

Weitere Aufführungen von „Peter Grimes“ am 22. und 27. Oktober (im Anschluss OPER Lieben), am 5. und 11. November 2017

 

Der junge russische Pianist Alexander Koryakin im Hauskonzert von Viviane Goergen

2017, Oktober 4.

Text und Fotos: Renate Feyerbacher

Zum Hauskonzert hatte Pianistin Viviane Goergen, die sich nach ihrer Weltkarriere der Förderung jungen pianistischen Nachwuchses widmet, Alexander Koryakin eingeladen. Den russischen Pianisten hatte sie erst Ende Juni 2017 im Rahmen der Konzertreihe „Transitition Classic – Excellence 2017“ in der Alten Oper Frankfurt gehört. Ihre Begeisterung für sein Spiel wollte sie daraufhin mit Freunden und einflußreichen Musikkennern teilen, die sie in ihre Frankfurter Wohnung gebeten und um Spenden für den Künstler gebeten hatte. Denn Alexander Koryakin besaß kein eigenes Klavier, um zu üben. Bei dem Konzert kam so viel Geld zusammen, dass ein Klavier geliehen werden  und es dann auch noch in die Wohnung des Pianisten in die vierte Etage transportiert werden konnte.

Alexander Koryakin und Viviane Goergen

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Spatenstich für das Casals Forum in Kronberg

2017, Oktober 2.

Auch Großes fängt mal klein an…

25 Jahre nach ihrer Gründung wird in Kronberg für die Kronberg Academy in unmittelbarer Nähe des Bahnhofs ein besonderes Haus gebaut: das nach dem katalanischen Cellisten benannten Casals Forum – ein Konzertsaal mit erstklassiger Akustik und Ausstattung sowie ein angegliedertes Studien- und Verwaltungszentrum. Der Spatenstich fand am 1. Oktober 2017 in heiterster Stimmung statt.

Impressionen von Uwe Kammann

↑ Nun kann es losgehen: im künftigen Casals Forum werden die internationalen Nachwuchs-Topp-Musiker bald ein eigenes Dach über dem Kopf bekommen

↓ Mit vereinten Kräften legen Musiker, Lehrende der Kronberg Academy, Politiker und Sponsoren den Grund für das Casals Forum 

← Marta Casals-Istomin und Sir András Schiff, Künstlerischer Beirat der Kronberg Academy, sind voller Optimismus

Da war keine Steigerung mehr möglich: „Weltspitze“, „Weltklasse“ – diese Eigenschaften attestierte der hessische Kunst- und Wissenschaftsminister Boris Rhein der Kronberg Academy. Und fast im selben Atemzug auch dem Architektenbüro Staab aus Berlin. Das, wie es ja in einem hochklassigen Wettbewerb entschieden wurde, das Casals Forum in Kronberg bauen wird, als Ort des Musik-Machens und des Musik-Lernens, wie es Rhein auf eine kurze Formel brachte. Wobei natürlich auch dazugehört: des Musik-Hörens, in einem schon der Papierform nach beschwingten Saal.

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Stéphane Crémer – Der französische Wort-Schrift-Künstler

2017, September 27.

Buchstaben, Bildern und dem Klang der Dinge auf der Spur

Von Petra Kammann

Stéphane Crémer in seinem Atelier in Le Bono, Fotos: Petra Kammann

Stéphane Crémer: sein Name hat in Frankreich einen besonderen Klang. Ist doch Stéphane der Sohn des berühmten französischen Schauspielers Bruno Crémer, der hierzulande vor allem als Hauptdarsteller Jules Maigret aus der 19-teiligen „Maigret“-Fernsehserie der frühen 90er Jahre (nach  Georges Simenons Romanen) vertraut ist. Den Franzosen ist aber Crémer aber auch aufgrund seiner großen Theaterkarriere präsent, da er schon Anfang der 50er Jahre in Stücken von Oscar Wilde, Shakespeare oder Jean Anouilh große Rollen spielte… So hatte Vater Bruno schon Anfang der 50er Jahre die Schauspielschule in Paris mit späteren Filmgrößen wie Jean-Paul Belmondo besucht und in Dutzenden von Filmen an der Seite von Stars wie Alain Delon, Jean-Paul Belmondo und Romy Schneider mitgewirkt.

Für den belesenen Stéphane Crémer bilden Schrift und Bild eine Einheit

In die Anfangsphase von Brunos aufstrebender Schauspielerkarriere hinein wurde 1954 dann auch Sohn Stéphane geboren, den seine „Familiengeschichte“ nachhaltig beeinflussen sollte. In seiner Erzählung „Comme un charme“ (etwa: „Alles bestens“) wird die Geschichte eines einsamen, auf sich gestellten Kindes und Einzelgängers geschildert, das zwischen Großeltern und österreichischen Kindermädchen hin- und her pendelnd aufwächst und unter der baldigen Scheidung seiner Eltern leidet. Erzählt wird alles aus der Perspektive des Kindes mit dem Ton der Melancholie wie auch mit einem hintergründigen Humor und vor allem mit absoluter Diskretion.

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